Реформа русской орфографии была революционной, не только потому что она произошла после сразу после Октябрьской революции. Эта реформа действительно изменила необходимый нам всем инструмент коммуникации и фиксации мыслей, который более двух сот лет сохранялся в России и который хранил в себе следы еще более древней христианской сакральной системы, которая передавала религиозное знание. Хорошо знакомое нам название этого алфавита (Кириллица) произошло от имени знаменитого православного создателя первой славянской азбуки святого Кирилла. Изменение алфавита – это в каком-то смысле изменение системы мышления. В этом году мы отмечаем 100-летие этого изменения. Наша выставка рассказывает вам историю этой грандиозной революционной перемены.

Авторы проекта: Илья Саморуков, Николай Кислухин
Дизайн: И. Павлова.

Малые формы – особое направление творчества, которое на фоне привычного нам «большого» искусства порой не замечается. Выставка призвана акцентировать внимание на миниатюрах и небольших скульптурных формах, которые были созданы молодыми самарскими художниками.

В работе с малой формой есть особая сложность, она требует тщательной степени продуманности и более кропотливой работы. Идеи, заключенные в ней, могут быть самыми обширными. Уникальность миниатюр заключается в том, что они в меньшей степени зависят от контекста и пространства, в котором находятся, чем «большое» искусство. Малые формы самоценны сами по себе.
Выставка условно делится на малые системы и скульптуры.
Малая форма часто воплощается неким законсервированным мирком, который имеет свой принцип существования всех частей. Такие системы обращены вовнутрь без вмешательства извне, что идет как раз от формата. При создании «миров в коробке» практически исключается присутствие автора, он как некий креатор наблюдает за правильным взаимодействием частей.
Что касается скульптурных малых форм из металла, пластилина или проволоки, то здесь, наоборот, гипертрофированное присутствие автора в отпечатках пальцев, в том движении материала, которое было ему предназначено.

Задача выставки объединить молодых самарских художников по принципу формы, с которой они работают. Вопрос к современным малым формам заключается в том, могут ли они концентрировать на себе внимание или остаются незамеченными? Существует ли корреляция между формой и содержанием и что, в конце концов, первично?

Куратор: Ирина Свиридова
Художники: Евгений Юдаков, Михаил Гунько, Жанна Рассадина, Дарья Волкова, Анастасия Гребенникова

Выставка представляет творчество художников уникального творческого объединения - Мамонтовского (Абрамцевского) художественного кружка. Среди экспонатов – живописные и акварельные пейзажи, этюды, портретные зарисовки участников кружка, эскизы костюмов, декораций, предметов декоративно-прикладного искусства, мебель по рисункам Е.Д. Поленовой, керамика М.А. Врубеля, показывающие весь спектр деятельности мамонтовского содружества. Абрамцевский кружок сложился вне рамок государственных учреждений и общественных организаций, но был лишен узости «кружковщины», а скорее, являл «вольное сообщество талантов», что способствовало появлению и дальнейшему развитию именно здесь стилистических признаков модерна.

Графические и живописные работы А.М. Васнецова, К.А. Коровина, В.Д. Поленова, И.С. Остроухова, И.И. Левитана, М.В. Нестерова; графика В.М. Васнецова, И.Е. Репина, И.П. Ропета, В.А. Серова, С.В. Малютина, М.А. Врубеля. Выставка включает деревянные шкафчики и стулья, выполненные в Абрамцевской столярной мастерской по эскизам Е.Д. Поленовой. Жемчужинами представляемой коллекции станут скульптуры М.А. Врубеля.

На выставке «Руки Венеры» средствами современного искусства воссозданы выдающие образцы мировой художественной культуры.

На нашей выставке вы сможете побыть не только зрителем, изучающим историю искусства, но и посмотреть на него с точки зрения художников разных эпох.

На «Руках Венеры» представлены переосмысленные известным самарским художником Михаилом Гореловым произведения мировой культуры, которые «просятся в руки», требуя внимания и взаимодействия.
У всемирно известной античной статуи Венеры Милосской, символа красоты, нет рук и их так и не нашли. Но она по-прежнему прекрасна и привлекает внимание миллионов людей, которые специально приходят в Лувр, чтобы увидеть ее.

На искусство мы смотрим глазами, но создается оно, даже в наше технологичное время, с помощью рук. Но мы привыкли, что в музеях предметы трогать нельзя. Но так хочется! Интересно оценить вес головы Нефертити, попробовать пощекотать Венеру Милосскую, дорисовать потолок Сикстинской капеллы, самому открыть саркофаг Тутанхамона. В традиционных музеях это строго запрещено, да даже на постоянной экспозиции нашего особняка к предметам столетней давности прикасаться нельзя. На выставке же все работы из бруса и фанеры можно и нужно трогать. А ещё крутить, рисовать, нажимать, переставлять и даже обнимать.

Через взаимодействия с объектами посетитель сможет узнать про выдающиеся произведения мировой культуры и посмотрит на давно знакомые сюжеты в новом ракурсе.

Проект реализован в рамках конкурса социальных и культурных проектов ПАО "Лукойл" на территории Республики Татарстан, Самарской области.

Кинозвезды во все времена задавали тон в моде, влияя на вкусы миллионов женщин. Незыблемыми иконами стиля ХХ века были Алиса Коонен, Любовь Орлова, Лидия Смирнова, Клара Лучко, Наталья Фатеева, Майя Плисецкая, Анастасия Вертинская, Людмила Целиковская, Татьяна Шмыга, Алиса Фрейндлих, Наталья Селезнёва, Людмила Гурченко...

Кинофильмы и журналы, открытки и постеры с их изображениями служили азбукой моды. Женщины всей страны с радостью ждали появления на экране кумиров, а затем копировали их новую укладку, макияж, крой и цвет платья, форму шляпы и модель обуви. Кинозвездам подражали, на них равнялись, не думая о том, что кино — это всего лишь иллюзия. На это не обращали внимания и копировали с экрана как манеру поведения героинь, так и их наряды.

Каждая модница мечтает заглянуть в гардероб своих кумиров, чтобы узнать, что они носят, следуют ли модным тенденциям и каким брендам отдают предпочтения.

Историк моды Александр Васильев дарит такую возможность всем желающим, представляя уникальную выставку «Кино и мода», в которую вошли более 40 вечерних и сценических нарядов, а также раритетные аксессуары, принадлежащие звездам кино 1930-2000 годов.

Выставка оловянных предметов, изготовленных в к. XIX - н. XX вв. фабрикой «Кайзер и Сыновья».

Использование олова в качестве материала в прикладном искусстве возродилось в эпоху модерна, когда дизайнеры по всей Европе искали новые формы выражения.

Олово - плавкий и пластичный материал, он позволял создавать рельефный декор с детализацией, а оттенки и блеск оловянного сплава создавали неповторимый контраст света и тени. Сложная ручная работа и трудоёмкая обработка не уступали работам по серебру или бронзе, поэтому ценились одинаково высоко.

«Олово Кайзера» (сплав олова и серебра, так называемое бессвинцовое олово, долго сохраняющее блеск) имело большой успех на выставках в Париже (1900), Турине (1902), Дюссельдорфе и Сент-Луисе (1904).

Фирма «Кайзер и Сыновья» создали варианты декора, вдохновленные как флоральным французским ар-нуво, так и линеарным югендштилем. Помимо всего прочего фирма ставила перед собой цель путем серийного производства сделать доступным для широких слоев населения современные, со вкусом оформленные предметы быта.

Фирма Кайзера – одно из наиболее успешных предприятий эпохи модерна как в самой Германии, так и за ее пределами.

Выставка включает в себя более 60 предметов быта в стиле модерн из коллекции частного московского коллекционера Сергея Гнилицкого.

Выставка «Российское застолье» – это история русского ритуала совместной трапезы, рассказанная в фотографиях из коллекции Мультимедиа Арт музея, Москва.

89 произведений величайших мастеров и культовых фотографов, среди которых — Александр Родченко, Аркадий Шайхет, Виктор Руйкович, Борис Игнатович, демонстрируют эволюцию русской души и русского характера, национального мироощущения, удивительным образом раскрывающихся во время застолья.

На снимках встречаются узнаваемые фигуры поэтов, композиторов, актеров, политических деятелей. В их числе – Владимир Маяковский, Лиля Брик, Марина Цветаева, Сергей Коненков, Дмитрий Шостакович, Сергей Михалков, Евгений Евтушенко, Булат Окуджава, Юрий Никулин, Никита Хрущев, Леонид Брежнев. За кадрами остаются переломные события в истории — Первая мировая война, революция, репрессии 30-х годов, Великая Отечественная война, хрущевская оттепель, лихие 90-е.

Менялось время, менялся стиль жизни, стиль съемки, менялись лица. От идиллических пикников и благотворительных балов, до официальных банкетов в Кремле и очередей за водкой, превращавшихся в поле боя во времена тотального дефицита. От безудержных пиров эпохи «новых русских» начала 90-х до чинных «европейских» кафе, кондитерских и кинотеатров начала XXI века.

Званые обеды Льва Толстого, дружеские чаепития у Всеволода Мейерхольда, официальные приемы времен брежневского застоя остались в прошлом, но сама традиция продолжает существовать и конструировать коды повседневности, определяя особую культуру удовольствия.

Куратор: Галина Зыбанова

Русская уникальная графика конца ХIХ – первой четверти ХХ веков в собрании Башкирского государственного художественного музея им. М.В. Нестерова".

Экспонирующаяся в Музее Модерна выставка «Символы модерна» представляет произведения русской уникальной графики конца XIX – первой четверти XX веков из собрания Башкирского государственного художественного музея им. М.В. Нестерова. Организованный по инициативе и на основе дара выдающегося художника, академика живописи, уроженца Уфы Михаила Васильевича Нестерова (1862–1942), Башкирский художественный музей — один из старейших музеев России: в 2020 году он отметит своё 100-летие. Формирование основных коллекций музея, в том числе и коллекции русской графики, связано с первыми годами его деятельности, некоторые экспонаты коллекции поступили в музей в составе дара М.В. Нестерова.

На выставке «Символы модерна» в силу её тематической направленности представлена только небольшая часть коллекции графики, но эта часть — её подлинная жемчужина. Каждое имя — золотая страница русского изобразительного искусства, каждое произведение — выдающийся вклад в отечественную графику, отражение специфических особенностей как конкретного времени и стиля, так и творчества художников. В экспозиции — 49 произведений, выполненных в акварели, гуаши, пастели, сангине, угле, карандаше, туши и смешанной технике. Стилистически все они имеют самое прямое отношение к модерну и символизму, и, соответственно, к эстетической программе и деятельности одного из крупнейших объединений конца ХIХ – первой четверти ХХ веков — «Мир искусства». Провозгласившие в качества мерила подлинной красоты саму красоту, причём, прошлых эпох, «мирискусники» придавали первостепенное значение развитию графики, книжной иллюстрации и сценографии. Членами «Мира искусства» были выдающиеся мастера, обладавшие универсальным талантом и работавшие в различных видах искусства.

Центральное место в экспозиции занимают всемирно известный «Портрет балерины Е.С. Карзинкиной», выполненный в технике угля на холсте В.А. Серовым, и пастель «Колеус» И.И. Левитана.

В разделе станковых произведений наибольший интерес представляют акварели А.Н. Бенуа, А.В. Шевченко и П.Г. Щербова, гуаши Л.О. Пастернака и М.П. Бобышова, сангина В.И. Шухаева, пастели С.В. Малютина и Б.М. Кустодиева, карандашные рисунки Ф.А. Малявина, Б.Д. Григорьева, М.В. Добужинского.

Русское театрально-декорационное искусство представлено эскизами декораций и костюмов А.Я. Головина, К.А. Коровина, М.А. Врубеля, В.А. Серова, Б.И. Анисфельда, С.Ю. Судейкина, Б.М. Кустодиева. Книжная графика с созданным «мирискусниками» новым «образом» книги — рисунками, обложками и виньетками М.В. Добужинского, А.М. Арнштама, И.Е. Бондаренко, С.В. Чехонина.

Специальный раздел составляют произведения М.В. Нестерова — карандашные портреты и эскизы храмовых росписей, работе над которыми художник посвятил более 20 лет жизни.

Выставка «Символы модерна» представляет уникальный графический материал, хранящийся в собрании старейшего музея России. В каждом из представленных произведений раскрываются характерные особенности стиля модерн, консолидировавшего и «примирявшего» все сложности и противоречия русского искусства рубежа веков.

«Курортная мода» посвящена пляжному костюму ХХ века и демонстрирует развитие купального костюма. Посетители могут оценить, был ли выбор курортного гардероба продиктован личными привычками и вкусом отдыхающих, или они следовали текущей моде.

«Выставка пляжной моды идеально подходит летнему городу на Волге», – отметил на открытии искусствовед, историк моды Александр Васильев.

В экспозиции представлены предметы пляжной одежды прошлого столетия: трикотажные шерстяные купальники, которые носили как женщины, так и мужчины, пляжные костюмы 1920-х годов, первые раздельные купальники 1930-х годов, ранние купальные шорты и бермуды, вошедшие в моду под американским влиянием. Среди экспонатов – первое бикини, революционные мини-платья 1960-х годов, сарафаны и соломенные шляпы, которые носили хиппи, резиновые купальные шапочки, солнечные очки, пляжные зонтики и многое другое.

Выставка «Курортная мода» дополнена уникальными фотографиями, журналами мод, эскизами летних платьев и старинными открытками с видами курортов.

Куратор: российский модельер Кирилл Гасилин

Выставка, посвященная новому художественному явлению, которое мы совместно с художником Евгением Греки и группой НУМЫЖЫ назвали НЕЙРОМОДЕРНОМ.

Общую идею этого явления можно описать примерно так. В начале ХХ века художники, вдохновляясь научными открытиями, использовали природные элементы, которые были для них примером красоты и вечности. Именно это стали называть модерном. В ХХI веке нейробиология позволила нам заглянуть внутрь мозга и увидеть главную клетку, отвечающую за принятие решения – нейрон. Мы представили, как художники используют в качестве природных элементов не только растения, цветы, а увиденные в микроскоп нейроны, аксоны, дендриты и синапсы – место контакта между двумя нейронами или между нейроном и получающей сигнал эффекторной клеткой. Визуальное осмысление нейронных связей, которые и порождают наши мысли и чувства, мы и назвали НЕЙРОМОДЕРНОМ.

Природа – есть интеллект.

Куратор: Илья Саморуков

Выставка «Бремя модерна» является исследованием жизни обычных людей в домах, построенных в начале ХХ века в стиле модерн. Модерновых особняков в центре города сохранилось достаточное количество, и в советские годы их заселяли сразу несколько семей. До сих пор люди живут в окружении ушедшей красоты – маскаронов, цветочных орнаментов, линий модерна. Всё это сопровождает их по жизни, и задача проекта – понять, насколько сильно история дома влияет на жизнь этих людей, понимают ли они ценность места, где обитают, и заботятся ли о наследии.

Наши герои говорили о том, как они проводили молодость, как боролись за свои дома в городе с обширным лобби застройщиков, как менялись их поколения в этих квартирах и какие проблемы они испытывают, находясь в техногенном обществе. Это проект о людях и об обществе, это проект про городскую среду и невозможность существования города без человека. Это проект про нас с вами, про то, что нужно помогать, нужно добиваться, нужно жить и замечать жизнь других.

Куратор: Даниил Сайко
Портреты людей: Кристина Сырчикова

Почему человек решает заняться коллекционированием? Что движет современным человеком, когда идея и существование в киберпространстве заменяет осязаемую вещественность, собирать произведения искусства, каждый день видеть их у себя дома? Что дает человеку произведение искусства в пространстве обитания?

В XXI веке каждый может стать коллекционером, пусть даже магнитов на холодильнике. На выставке вы увидите произведения искусства разных стран и эпох глазами коллекционера, проникнитесь идеей собирательства, и ответите для себя на вопрос – почему нам самим так важно составлять свои собственные коллекции?

На втором этаже особняка были представлены работы всемирно известных художников: послевоенная европейская живопись и графика, декоративно-прикладное искусство стиля модерн и Ар-Деко, европейским фарфором 1920-х в стиле ар-деко и советским фарфоровым соцреализмом. Произведения были объединены самим коллекционером, они имеют внутреннюю связь, сгруппированы по принципу неочевидного соотношения, что позволяет раскрыть предметы с новых сторон. Каждое произведение важно — оно имеет свою собственную историю и открывает удивительные взаимосвязи.

На рубеже ХIХ-ХХ веков Самарскую губернию называли «житницей России». В Российской империи она занимала первое место по количеству собираемой пшеницы. Территория старой Самары до сих пор хранит в себе следы гигантской хлебной инфраструктуры, которая возникла благодаря движению зерна. Именно развитие хлебной торговли превратило Самару в богатый «купеческий» город с заводами, банками, паровыми мельницами, гостиницами, кинотеатрами, элеватором, похожей на античный храм биржей и построенными в модном европейском стиле модерн особняками.

В одном из таких особняков, когда-то принадлежавшему хлеботорговцу, в 2012 году открылся Музей Модерна, который хранит память об ушедшей эпохе и радует современников красотой прошлого. Бывшие паровые мельницы и разрушенный элеватор напоминают нам, что у этой красоты была экономическая основа. Торговля пшеницей, которая добывалась из земли тяжелым крестьянским трудом, приносила самарским купцам огромные состояния.

Это выставка о «пути зерна», о том, как дореволюционная Самара жила хлебом.

Филиал Государственной Третьяковской галереи в Самаре представил на площадке Музея Модерна выставку Анны Голубкиной, одного из крупнейших мастеров русской скульптуры первой четверти XX века.

Ученица великого Огюста Родена, ценившего её талант, первая женщина-скульптор в России, получившая европейское образование, а затем и признание, Анна Голубкина принадлежала к плеяде русских мастеров эпохи Серебряного века, которые изменили художественный язык скульптуры.

В экспозиции произведения из коллекции Государственной Третьяковской галереи и Самарского областного художественного музея. «Стихии Анны Голубкиной» — большое событие: первой выставкой самарского филиала Государственной Третьяковской галереи станет выставка первой русской женщины-скульптора. Выставка демонстрирует все этапы и направления более чем тридцатилетнего творческого пути мастера во всём их многообразии — импрессионизм, символизм, экспрессионизм, увлечение искусством Древнего Египта, Месопотамии и Греции.

Выставка «Реклама модерна» – исследование повседневной жизни человека конца XIX – начала XX века. Что интересовало людей и было частью их современности? Какие новшества появлялись в товарах? Насколько стиль модерн визуально повлиял на шрифт и оформление газетных объявлений?

С появлением культуры массовой тиражируемости в конце XIX века реклама становится заметной частью городской среды и даже новым литературным жанром. К этому времени рекламное дело расцветало и в Самаре, постепенно обретая свою вездесущность.

Книжная графика, афиши, рекламный плакат, бытовые предметы – модерн стремился вовлечь в сферу прекрасного обыденную жизнь человека. За счёт синтеза искусств, новых приемов и форм, использования современных технических новшеств он должен был поместить человека в «цельную эстетически насыщенную пространственную и предметную среду».

Рекламное объявление, плакат, газета – исторический вид искусства. Их отголоски позволяют осмыслить настроения и дух исчезающей эпохи.

Выставка «Старинная японская фотография» в Музее Модерна представляла разностороннее исследование японской культуры конца XIX - начала XX вв.

Основа выставки - коллекция японской раскрашенной фотографии эпохи Мэйдзи (1868-1912) из собрания Мультимедиа Арт Музея, Москва. Более чем за 20 лет своего существования МАММ собрал значительную коллекцию японской раскрашенной фотографии эпохи Мэйдзи (1868-1912). Начало этой коллекции было положено в 1998, а последнее поступление было осуществлено благодаря японскому партнеру музея. Экспозиция помимо масштабного собрания раскрашенной фотографии включала в себя японское оружие, предметы декоративно - прикладного искусства Японии рубежа эпох из собрания историко-краеведческого музея им. П.В. Алабина и Самарского художественного музея, современные кимоно из частной коллекции.

На выставке «Старинная японская фотография» соседствовали снятые на улицах постановочные кадры со статистами и мизансцены, полностью сконструированные в безвоздушном пространстве фотоателье, где повседневность превращается в экзотический ритуал, а собирательные и типические образы гейш и самураев изображали переодетые актеры. Во многих сюжетах подспудно присутствует глубинный символизм (среди прочего, изображения растений — лотоса, ириса, глицинии, бамбука, сосны, сакуры, клена), а также особая пластика реалий: садов, архитектуры, интерьеров, костюмов, аксессуаров и предметов обихода.

Кино стало фактом человеческой культуры в 1890-е годы. В это же десятилетие в Европе оформился художественный стиль модерн. Кинематограф и модерн в буквальном смысле ровесники и имеют одну основу – научно-технический прогресс.

На рубеже XIX–XX веков синематограф становится неотъемлемой частью повседневной жизни горожанина. Зрители конца XIX века шли на сеансы, чтобы увидеть жизнь новым чудесным способом.

Первая часть проекта «Модерн в городе» посвящена частично истории кинематографа и развитию ранней кинокультуры в городе и охватывает период с 1895 года (время зарождения кино как массового увлечения) до 1916 года (предпоследнего года дореволюционной России).

Какие механизмы привели фотографию в движение? Какими были первые кинотеатры? Что показывали и на что смотрели? Зачем люди ходили в кино?

Выставка – исследование пути кинокадра от фотоателье и изобретения киноаппаратов, до распространения электротеатров и показа первых немых фильмов.

На примере Самары раскрываются повседневные сюжеты возникновения кинотеатров и интереса горожан к безмолвным образам движения.

«Искусство завтрашнего дня» – так называли современники новую веху становления кинематографа. Механизмы, экран, тени, движение и наблюдение за жизнью на плоскости – порядок, задавший темп приближения нового будущего для человека эпохи модерна.

Стиль модерн появился в Европе в последнее десятилетие ХIХ века и волнует человечество уже более ста лет. В ХХI веке модерном называют не только стиль, но и целую эпоху, которая, может быть, уже закончилась. Так или иначе, стиль модерн мы связываем с использованием образов природного мира. Модерн - это художественный синтез природы и красоты.

Художники, которых мы пригласили принять участие в нашей новой выставке, ответят на эти вопросы своими произведениями.

Название мы взяли из философских фрагментов немецкого романтика Новалиса, предшественника символизма: «Настоящий любовник природы отличается умением разнообразить, упрощать, комбинировать, анализировать, романтизировать и популяризировать эксперименты, придумывать новые — подбирать и чередовать их, следуя естественному вкусу и чутью, остро и четко наблюдать, создавать искусные описания, обобщенные и одновременно подробные».

Участники выставки: Анастасия Альбокринова, Михаил Горелов, НУМЫЖЫ, участники клуба "MODERN.ISME", Дмитрий Тяпков, Алена Медведева, аут-группа "Муха", Катя Раёк, Кирилл Гатаван, Дарья Волкова, Ирина Севостьянова, Никита Никитин, Родион Горьковатый, Кирилл Гуров, Николай Кислухин, Олег Захаркин, Саша Во, Веселый Флор, Илья Михеев, Кирилл Ермолин-Луговской, SPDPLF, Анна Леденева

Башкирский государственный художественный музей им. М.В. Нестерова обладает самой крупной в России коллекцией живописи «отца российского футуризма» Давида Давидовича Бурлюка (1882–1967). В её составе - 38 произведений 1915–1918 гг. 13 произведений Бурлюка являются собственностью Национального музея Республики Башкортостан, что свидетельствует о том, что «уфимская» коллекция насчитывает 51 произведение.

На выставке будут также представлены написанные в Башкирии произведения матери Д. Бурлюка Л. И. Михневич - пейзажи «Водопад» (1917), «Пороги» и «Железнодорожное полотно» (оба — 1915–1918) – все из собрания Нестеровского музея.

Давид Бурлюк (1882-1967) - живописец, график, поэт, писатель, художественный критик и исследователь искусства. Инициатор создания группы «Гилея» (1910–1914?) — первого литературно-художественного объединения футуристов («гилейцев», «будетлян»). Член общества «Союз молодёжи» (1909–1913, 1917) и мюнхенского объединения «Синий всадник» (1911–1914, 1924). Один из организаторов новаторских объединений «Венок-Стефанос» (1907–1910) и «Бубновый валет» (1911–1917). Участник нашумевших футуристических диспутов в Москве и Петербурге и всех наиболее крупных выставок современного искусства 1910-х – 1920-х годов в России и Германии.

В Башкирии Бурлюк создал значительное количество живописных произведений (более 200 холстов), в большинстве из которых реализовал начатые ещё в 1907 году совместно с братом Владимиром эксперименты с живописной фактурой. Его главная творческая задача в эти годы — перерабатывая опыт Сезанна (1839–1906), перейти к кубизму и футуризму и на этой синтетической основе добиться создания устойчивого, пластически убедительного и эмоционально выразительного образа.

Выделяется значительная группа произведений отчётливо реалистической направленности: это пейзажи, портреты, натюрморты. В основе их смысловой, содержательной структуры лежит искреннее восхищение художника реальной красотой окружающей природы и предметного мира, любование родными людьми, в первую очередь, женой и детьми.

Выставка посвящена теме спорта как сфере развлечения горожанина начала XX века.

Спорт в современном понимании – относительно новый «телесно-культурный феномен», имеющий более чем 140-летнюю историю. Развитие спорта как массового явления, постепенно затрагивающего разные группы людей, приходится на рубеж XIX–XX вв.

Эпоха модерна - водораздел между спортом как одним из многочисленных способов времяпрепровождения аристократии к спорту как неотъемлемой части культуры. Сегодня многие сферы нашей жизни немыслимы вне процесса «спортизации» - например, мода, массовая культура, образование.

В конце XIX века, помимо профессионального, развитие получает и любительский спорт. В это время создаются различные спортивные клубы, рассчитанные на посетителей разных сословий. Возрождение Олимпийских игр в 1896 г. дало толчок к развитию международной системы спортивных состязаний.

Появляются первые бодибилдеры, воспевающие красоту тела; интерес к боксу, теннису, активному отдыху, гонкам достигает небывалых размахов.

На это же время приходится начало пропаганды спорта как части здорового образа жизни. Гимнастика в институтах и гимназиях становится обязательным элементом в воспитании молодых людей обоих полов.

В Самаре конца XIX века спорт становится частью жизни, появляется общество велосипедистов, которое проводит свои забеги, ипподромы удовлетворяют интерес горожан к скачкам, а самые активные отправляются по туристическому маршруту, который впоследствии назовут «Жигулевская кругосветка».

Самарский яхт-клуб, открывшись в 1908 году, взял большинство видов спорта в городе «под свое крыло». Все больше людей занимались греблей, велоспортом, лыжами и коньками, в теплое время года жители Самары вставали на роликовые коньки и занимались гимнастикой. Занятия спортом распространялись в стенах учебных заведений и на улице, формируя новую культуру тела, понятную человеку XXI века.

Сон – это необходимая часть нашей бытовой жизни. Сновидения – это таинственный непознаваемый психический процесс, который на время порождает альтернативную реальность. Во сне сила внешнего мира ослабевает и создает странные видения, которые становились источником вдохновения для художников и поэтов, предметом интереса ученых. Новая выставка Музея Модерна посвящена представлению о сне на рубеже XIX- XX вв. Каждая эпоха создает собственные режимы и ритуалы сна. Эпоха модерна со свойственной ей двойственностью, с одной стороны, - пытается рационально расколдовать сон и объяснить его работой души и тела, с другой – иррационально превратить скучную жизнь в фантастическую грезу.

До начала XX века дошла идея жизни души в трех состояниях – во время бодрствования, в спокойном сне и внутри мира сновидений. Сон вызывал массу вопросов - можно ли прожить без него? Как себя защитить во время сна? Что значат образы, которые нам являются, когда мы засыпаем? Почему люди впадают в лунатизм или бессонницу? На выставке тема сна раскрывается с разных точек зрения: сон и его обстановка, техники сна, влияние на сон внешних или внутренних раздражителей, исследование сна как физического процесса, интерпретация сновидений и др.

В эпоху модерна состояние сна связывается с интересом к мистическим символам, мифологии, спиритизму, пограничным состояниям сознания.

Выставка – путь от спальни и аптеки с лекарствами через бессонницу в сам сон и дальше – в его интерпретацию с помощью сонника и сказочных историй.

Проект «Сон» - взаимодействие экспонатов из коллекций Самарского областного историко-краеведческого музея им. П.В. Алабина, Самарского областного художественного музея, Самарской универсальной научной библиотеки, Самарской Публичной Библиотеки и современного искусства.

Выставка «Искусство: скука, деньги и досуг» – продолжение проекта «Модерн в городе», который охватывает основные сферы досуга горожанина рубежа XIX – XX веков. В их числе две большие темы – синематограф и спорт, получившие активное распространение в городе в эпоху модерна.

В этот раз мы обратимся к искусству как форме досуга для художника и зрителя. В конце XIX века происходит трансформация понимания «досужего» и рабочего времени. Сфера отдыха постепенно дистанцируется от трудовой деятельности. В свободное время горожанин ходит на выставки, пишет этюды, читает критические статьи и отзывы в газетах. Купеческая элита диктует новый текст поведения для современников уникальной эпохи – часть ресурсов уходила на благотворительность, коллекционирование и развитие искусства в Самаре.

В 1890-х гг. здесь создается первый любительский кружок художников под инициативой К.П. Головкина и Н.П. Осипова, ученика Айвазовского, открываются первые выставки, появляются аукционы. На выставках среди экспонатов представляется свыше 200 произведений живописи, графики и скульптуры.

Преодолевая городской сплин и скуку начала XX века, искусство стремительным шагом врывается в повседневность людей и заставляет вновь и вновь любоваться волжскими пейзажами и портретами, вырабатывает новые подходы к оформлению фотографии и открыток, создает пространство для критики и выражения свободы в виде шутливых шаржей.

Однако мы не можем считать это великим искусством – серые тона, тоска и неумелые мазки. Именно «любитель» занимает нишу самарского искусства. Он любит Волгу и изображает ее на картинах, он обращается к природе, запечатлевая лишь фон. Зачем?

Выставка задает вопросы и выдвигает гипотезы становления выставочной культуры в Самаре конца XIX – начала XX века. Откуда взялась привычка ходить в музеи, смотреть на искусство и заниматься им? Ответ мы найдем на выставке, среди этюдов, газет, красок и воспоминаний современников эпохи.

На излете XIX века Александр Зеленко оказался в Самаре, где занял должность городского архитектора. По его проектам возведены прекрасные здания, которые и сегодня являются украшением Самары: это особняк купцов Курлиных (ныне наш музей), собственный дом архитектора на ул. Самарской (Дом союза журналистов), банк (туберкулезный диспансер на углу улиц Куйбышева и Пионерская), земская управа (колледж, ул. Фрунзе 116), Торговый дом «А.Н. Пермяковой сыновья» (ул. Молодогвардейская 70), коммерческое училище (строительный институт). Зеленко – самый именитый из самарских городских архитекторов. Неслучайно первая статья, посвященная Зеленко, была опубликована Н.В. Мельниковой в 1991 г. именно в Самаре.

Личность архитектора вызывает интерес у всех, кто знакомится с его жизнью и деятельностью. В 2021 году стало известно о личном архиве Александра Устиновича, хранящемся в московских семьях Воронцовых и Хасиных.

Зеленко известен как мастер московского модерна и как педагог-новатор, создавший детский клуб – первое в стране внешкольное учреждение для детей. Им был введен новый тип культурно-просветительных зданий. Всего за время творческой деятельности по проектам зодчего возведено 37 зданий в Москве и Подмосковье, Самаре и Крыму, а также в Грузии и США, где он провел около 7 лет. Зеленко - автор 12 книг и многочисленных статей, посвящённых как вопросам градостроительства, так и культурно-просветительной работе и педагогике.

А.У. Зеленко - человек комплексного видения и демократических взглядов, ориентированных на общество, его развитие и благополучие, который вдохновляет на стремление к прекрасному будущему.

На выставке впервые будут представлены акварели и графика Зеленко, эскиз театральных декораций для кукольного театра (супруги Зеленко занимались петрушечным театром); многочисленные фотографии – личные, семейные, из кругосветных путешествий (Япония, США, а также поездки по СССР – Алтай, Узбекистан, Крым); фотографии архитектурных макетов и реализованных проектов (в Самаре, Москве, Калифорнии). Мы увидим путевые заметки и открытки, письма Зеленко. Рукопись «Черная Америка» и материалы диссертации, посвященной больничному строительству. И, конечно, книги Зеленко: среди них «Детские музеи» и «Дети – работники будущего» (первая книга Московского общества «Сеттльмент»).

Экспонаты для выставки представлены семейными архивами Я.К. Воронцовой (Москва) и Хасиных (Москва); материалами Самарской областной универсальной научной библиотеки.